Las vírgenes suicidas

Drácula de Bram Stoker
Valoración:
Director: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Anthony Hopkins, Cary Elwes, Gary Oldman, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Winona Ryder, Sadie Frost, William Campbell, Tom Waits, Monica Bellucci Título en VO: Bram Stoker's Dracula
País: USA Año: 1992.
Duración: 127 min.
Clasificación: Mayores 18 años
Género: Terror Color o en B/N: Color
Guión: James V. Hart
Producción: Francis Ford Coppola
Fotografía: Michael Ballhaus
Música: Wojciech Kilar
Francis Ford Coppola (nacido en Detroit, Estados Unidos, el 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense cinco veces ganador del premio Óscar. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guión. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como La conversación (1974), la bélica Apocalypse Now (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El Padrino y El Padrino II, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista ítaloamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guión adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director.
Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El Padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood.

Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas ,THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow.
Para la adaptación de Drácula , en concreto, Coppola se esforzó mucho contó con un reparto destacado (Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves) y una gran producción (aunque no demasiado grande para Hollywood), Coppola emprendió una aventura en la que intentó recuperar el aroma del cine primigenio hecho con maquetas, sombras y efectos rudimentarios.
Aprovechó así la cercanía del centenario del cine y la casi coincidencia de la publicación de la novela y la invención del cine, para homenajear (véase la secuencia del cinematógrafo) con un tratamiento cercano, salvando las distancias, a lo que hubieran hecho con ese material los maestros del cine mudo y primeros años del sonoro, filmando con una cámara Pathé y su mecanismo de manivela.
Siendo la más fiel de las adaptaciones de la famosa novela, es también un ejemplo de infidelidad literaria por la relación amorosa entre el conde y Mina, no presente en la novela, pero que en ningún momento deslegitima la adaptación, sino que la enriquece con un nuevo punto de vista que da fuerza a la decisión del conde, no explicada en la novela, de viajar a Inglaterra, que perfectamente podría haber estado incluida en el relato original. Algunos personajes, como Lucy Westenra, que a menudo en las adaptaciones cinematográficas era fusionado con el de Mina, eran aquí tratados con especial detalle. Otros que casi nunca han aparecido en las películas sobre el conde, como el doctor Seward, el tejano Quincy Morris o el aristócrata Arthur Holmwood, eran así mismo dotados de una presencia mucho mayor y más interesante.
Son muy elocuentes ciertos atuendos y apliques de Drácula, como un kimono rojo de larga cola y una peluca kabuki. En la película, el vestuario diseñado por Eiko Ishioka es el decorado. Una de las tres novias de Drácula está interpretada por Mónica Bellucci y la formidable banda sonora es obra del autor polaco Wojciech Kilar. La película contiene referencias al cine de Pabst, Murnau, Jean Cocteau y Abel Gance, y múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con rudimentarios instrumentos), pero difícil ejecución: sombras que van a su bola, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, escenas marcha atrás y continuos desafíos a las leyes de la Física en la naturaleza de las cosas, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el magnífico fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola (Roman Coppola, director de efectos visuales y ayudante de dirección) y Gary Gutiérrez, supervisor de efectos visuales.
A pesar de la citada controversia sobre la fidelidad/infidelidad al libro y sobre el tratamiento visual de la obra, tan alejada de todo lo conocido anteriormente, y en especial alejada de la típica imagen del vampiro creada por Béla Lugosi o Christopher Lee, Bram Stoker's Dracula fue uno de los mayores éxitos económicos de Coppola, con cuyos beneficios se compró el castillo de Inglenook y un extenso territorio dedicado a los viñedos, y logró tres premios Oscar: vestuario, maquillaje y efectos sonoros.
La película cosechó un gran número de espectadores, que harían que su recaudación fuese de 215.862.692 dólares por todo el mundo. Este sería el retorno al éxito del director Francis Ford Coppola, y también su salvación financiera, ya que se encontraba en problemas económicos debido a películas de elevado coste pero escaso beneficio como El Padrino III y Apocalypse Now.


La historia
En la Rumania medieval, el príncipe Vlad, tras conocer la muerte de su esposa Elisabeta, vende su alma al diablo convirtiéndose en un vampiro.
Cuatrocientos años después, viajará hasta el Londres victoriano para encontrarse con Mina Murray, la reencarnación de su amada.
Coppola otorga a Drácula de un enfoque artístico y crea algunas imágenes sorprendentes y efectivas - algunas muy intensa y eróticas(abundantes desnudos de las actrices) - para contar la historia del conde Drácula y su mundo de los muertos vivientes.
Inquietante a veces, y muchas veces sorprendente, la película es fascinante y absorbente , entregado con una paleta llena de colores y sombras que forman un telón de fondo sobre el que los personajes viven su propio drama.
Es un espectáculo tanto visual como emocional, comenzando con la breve historia de Drácula y las circunstancias de su vida y su venta del alma al diablo.
Gary Oldman como Drácula se las arregla para hacer que la personalidad única y propia, con una actuación profunda y destacada. Su presencia es segura de sí misma y amenazante, con un carácter fuerte e intimidante.
Van Helsing, Anthony Hopkins pone su sello personal en un personaje muy conocido también. Su retrato del célebre profesor/médico es excéntrico, pero muy trabajado.
Winona Ryder también ofrece una actuación creíble como Mina, un papel muy difícil de conseguir emocionalmente. Su mirada oscura, atractiva y la la presecia física es perfecta para el papel. Mostrando una feminidad distintas a las tres novias de Drácula.
Y Tom Waits ofrece una actuación memorable como el loco, insecto carnívoro, Renfield, al igual que Sadie Frost, como Lucy, joven y la mejor amiga de Mina, que sin saberlo, cae presa de poderes oscuros de Drácula.
El único miembro del elenco que parece sufrir un poco con la caracterización que es Keanu Reeves, como Jonathan Harker, da un rendimiento aceptable, tiene unapresencia atractiva pero carece de profundidad en su interpretación es por lo que llegar a ser menos creíble.
Coppola Drácula de Bram Stoker, es una película impresionante y memorable. Mediante la yuxtaposición de imágenes con valentía ,las sombras y la sensualidad innata del vampiro (ahora tan de moda con Crepúsculo).Es un viaje a las regiones más allá de lo conocido, una lucha entre las fuerzas de la oscuridad y la sociedad real. Una experiencia cinematográfica que no se debe olvidar .Debería ser obligatorio su visionado.

Lucia y el sexo

FICHA TÉCNICA:
Guión y dirección: JULIO MEDEM. Producción: FERNANDO BOVAIRA y ENRIQUE LÓPEZ LAVIGNE para SOGECINE. Dirección de fotografía: KIKO DE LA RICA. Segundo operador: JOSU INCHAUSTEGI. Montaje: IVÁN ALEDO. Música: ALBERTO IGLESIAS. Sonido: AGUSTÍN PEINADO, SANTIAGO THEVENET y POLO ALEDO. Dirección artística: MONTSE SANZ. Efectos especiales: MOLINA E.E. Vestuario: ESTÍBALIZ MARKIEGI. Maquillaje: GREGORIO ROS. Peluquería: JUAN RODRÍGUEZ VALVERDE. Casting: SARA BILBATÚA. Localizaciones: Madrid y Formentera. Duración: 128 minutos. Fecha de estreno: 28 de agosto de 2001.

FICHA ARTÍSTICA:
PAZ VEGA (Lucía). TRISTÁN ULLOA (Lorenzo). NAJWA NIMRI (Elena). DANIEL FREYRE (Carlos). ELENA ANAYA (Belén). JAVIER CÁMARA (Pepe). SILVIA LLANOS (Luna). DIANA SUÁREZ (Manuela). JUAN FERNÁNDEZ (Jefe Restaurante). ARSENIO LEÓN (Futbolista). JAVIER COROMINA (Camarero Chiringuito).

Julio Medem nace el 21 de octubre de 1958 en San Sebastián. Desde pequeño empieza a jugar con la cámara superocho que esconde su padre, y rueda escenas cotidianas que tienen como protagonista a su hermana Ana. Aunque se licencia en medicina y cirugía general, nunca abandona su gran pasión: el cine. Su primer trabajo es en el diario La voz de Euskadi, donde colabora como crítico cinematográfico. Tras algunas colaboraciones en publicaciones varias, rueda finalmente sus primeros cortos en superocho.

Después de trabajar en algunas obras como El jueves pasado (1977) o Si yo fuera poeta (1981), se lanza a rodar por primera vez en 35 mm. Patas en la cabeza (1985), producida por Luis Campoy y el propio Medem, consigue ganar el Premio de Cine Vasco y el Certamen Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao. En este mismo certamen, pero un año más tarde, gana el Premio Telenorte con su galardonado cortometraje Las seis en punta (1987).

Desde ese año, Medem trabaja como ayudante de dirección, montador y guionista, y se dedica por completo al cine. En 1988 escribe y dirige el mediometraje Martín (1988), producido por Elías Querejeta, al que le sigue otra película sobre la Segunda Guerra Carlista. Su salto al largometraje lo hace con Vacas (1992), una original historia que merece el Goya a la Mejor Dirección Novel, además de diversos galardones en los festivales de Tokio, Turín y Alejandría.

En 2000 fallece su hermana Ana en un accidente de tráfico cuando se dirigía a inaugurar una exposición. Este hecho sirvió para que en 2007 estrenara la película Caótica Ana.

SINOPSIS:
Lucía (Paz Vega), una joven camarera de un céntrico restaurante madrileño, recibe una noche una llamada que le comunica la desaparición de Lorenzo (Tristán Ulloa), su novio, un escritor con el que lleva viviendo seis años. El miedo y la angustia le hacen huir de la ciudad, refugiándose en una tranquila y despejada isla del Mediterráneo. Allí, en medio de una atmósfera brillante, tan sólo expuesta al aire libre y al sol, Lucía conocerá a Elena (Najwa Nimri) quien le conducirá a descubrir los rincones más turbios de su pasado así como el poder que tiene el sexo sobre el destino. La isla, su libertad y los deseos de escapar harán que se establezca una extraña relación entre quien fabrica la ficción, Lucía, y quien la recibe, Lorenzo, una especie de acuerdo en el que ellos se sienten absolutamente libres, él para inventar y ella para dejarse llevar imaginándose en otros personajes.

Esta historia narra una de las películas mejor construidas que he visto en mucho tiempo tanto la narración y el estilo de la película se puede llamar único.

Comienza mezclando la realidad con la ficción lo que realmente sucedió y lo que no. Cuenta con un montón de sucesos y temas diversos. La historia se reescribe en la mente de los personajes. Hay mucho simbolismo, sobre todo con la luna y el agua.

Las cosas empiezan muy lentas, pero viendo como la historia se desarrolla se vuelve cada vez más complicada y no lineal, debido a que la línea entre la ficción y la realidad se difumina cada vez más. Por lo que se hace la película difícil de seguir, pero al mismo tiempo que hace que la película más interesante de ver y permite a todo el mundo empiezan a definir las cosas por su cuenta.

El sexo juega un papel clave en la película. Ayuda a contar la historia y juega un papel importante e indica cuándo las cosas son verdad o ficción. Nunca antes el sexo desempeñado un papel clave en la narración de una película.
Los tres actores principales (Paz Vega, Tristán Ulloa, Najwa Nimri) de la película son realmente buenos y llevan la historia a la perfección. Nunca pensé que Najwa pudiera actuar de esta forma, pensé que sólo sería una buena cantante.

Es una experiencia cinematográfica poco común, no sólo por lo explícito de la obra(sexo) sino por la cuidadosa estética de la misma. Una película que no deja a nadie indiferente.

C.R.A.Z.Y

Dirección: Jean-Marc Vallée.
País: Canadá.
Año: 2005.
Duración: 125 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Michel Côté (Gervais Beaulieu), Marc-André Grondin (Zachary Beaulieu), Danielle Proulx (Laurianne Beaulieu), Émile Vallée (Zachary Beaulieu, niño), Maxime Tramblay (Christian Beaulieu), Pierre-Luc Brillant (Raymond Beaulieu), Alex Gravel (Antoine Beaulieu), Félix-Antoine Despatie (Yvan Beaulieu).
Guión: Jean-Marc Vallée y François Boulay.
Producción: Pierre Even.
Fotografía: Pierre Mignot.
Montaje: Paul Jutras.
Dirección artística: Patrice Bricault-Vermette.
Vestuario: Ginette Magny.
Estreno en Canadá: 27 Mayo 2005.
Estreno en España: 4 Agosto 2006.

C.R.A.Z.Y. es una laureada película canadiense, rodada en francés, situada en Quebec. Se estrenó en el año 2005 y trata el tema de la homosexualidad en la vida de un adolescente durante la década de 1970 y como este debe sortear las dificultades familiares, culturales y sociales que se presentan en su entorno frente a este hecho

Jean Marc Vallée, el director de C.R.A.Z.Y. una película cuyo guión tardó 5 años en ser escrito después de muchas revisiones (inspirado principalmente en la vida del coguionista François Boulay), y que tuvo que esperar 4 años para que alguien se interesara por él para ser producido. En total 11 años de proceso hasta tener la película acabada (dos años llevo su preproducción, rodaje y postproducción) y ser estrenada en Canadá en 2004.

Pero la espera mereció la pena. C.R.AZ.Y. ha cosechado múltiples premios y excelentes críticas a nivel internacional. En nuestro país, dos años después de su estreno en Canadá, se llevó cuatro de los importantes en la pasada edición 44 del festival de Gijón: Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Dirección Artística y el Premio Jurado Joven a la mejor película.

Historia

25 de diciembre de 1960: Nace Zachary Beaulieu, cuarto de cinco hermanos. Vive en el seno de una familia muy tranquila de los extrarradios, con una madre afectuosa y un padre un poco huraño, pero orgulloso de sus chicos. Es el principio de una bonita infancia en la que se suceden las navidades y los cumpleaños con el eterno solo del padre cantando «Emmène-moi au bout de la terre» (Llévame al fin del mundo), de Aznavour, las sesiones de lavado del coche al aire libre y las visitas a un merendero con Zac, el favorito de su padre.

Así empieza C.R.A.Z.Y., el relato de un niño, y luego el de un adolescente diferente que renegará de su naturaleza más profunda para no perder el amor de su padre.

Un retrato de familia que describe la vida a menudo extraordinaria de gente ordinaria en búsqueda de la felicidad.

De 1960 a 1980, rodeado de sus hermanos, de Pink Floyd y los Rolling Stones, entre las vueltas en moto para impresionar a las chicas, los porros fumados a escondidas, las grandes y pequeñas discusiones y, sobre todo, un padre al que intenta volver a encontrar con desesperación, Zac nos cuenta su historia. Con música y rebeldía, con mucho humor, con un viaje a Jerusalén, «al fin del mundo» como cantaba su padre, donde quizá encuentre, por fin...

C.R.A.Z.Y., una historia de amor entre un padre y un hijo, una fábula mística llena de fantasía acerca de la belleza, la locura y la poesía del alma humana.

Esta historia sobre un joven homosexual (aunque no se especifica claramente en la película, y probablemente estaría más cerca de la verdad decir que él es bisexual), nacido en los años 60. Vemos su evolución a través de de tres décadas, con todas las dificultades que uno podría ver en tener problemas con la orientación sexual en esos años ( la percepción de la homosexualidad de otras personas de su edad, las preguntas acerca de sí mismo debido a este tema, problemas aceptación de los padres, los cuales por desgracia actualmente en el siglo XXI siguen vigentes).

Es bastante sorprendente, dramática y emocional gracias a las actuaciones de los actores, en especial me quedaría con Zac. La música que éste escucha es muy representativo de las últimas décadas (Pink Floyd, David Bowie) la cual evoluciona con el personaje, y también se utiliza para crear el interior de los personajes

La película es una lucha continua entre Zac, el hijo segundo más joven de una familia de cinco niños y su autoritarios, padre homofóbico (Michel Côté)

C.R.A.Z.Y. abarca un período de treinta años en la vida de una familia católica. Zac narra la película y vemos el mundo a través de sus ojos. Él dice que la razón por la odia la Navidad es por su cumpleaños ya que los regalos que recibió no fueron los que realmente quería. Él recuerda cómo recibió un juego de hockey de mesa, cuando lo único que quería era un cochecito de bebé de juguete.

Zac (Emile Vallée) es un chico tranquilo y sensible que ama a sus padres, pero no se lleva bien con sus hermanos que siempre se están burlando de él. La madre de Zac (Danielle Proulx) es muy religiosa y cree que Zac tiene poderes curativos especiales, en parte derivados del hecho de que siempre es capaz de callar al hijo menor. Cuando sus poderes especiales se ven reforzadas por la señora "Tupperware", es evidente que él nunca será como todos los demás. Cuando su padre lo descubre con el vestido de su madre comienzan los insultos.

El hermano mayor Christian (Maxime Tremblay) es inteligencia y lee mucho, Antoine (Sebastián Blouin) se le dan bien los deportes, y Raymond (Pierre-Luc Brillant) es una adolescente rebelde que finalmente se meterá en problemas con las drogas (aceptado por el padre). Los hermanos están estereotipados por la sociedad que les rodea.

Zac quiere complacer a su padre y empieza a dormir con su mejor amiga Michelle (Natasha Thompson). Aunque acuda a sesiones con el psiquiatra y se descubra fotos besando a otro chico, Zac se resiste a su orientación tanto que da una paliza a un joven gay para demostrar que no es de esa orientación sexual. Pero todo es en vano ya que la verdadera condición y su crecimiento personal afloraran cuando Zac abandona el país y ya puede considerarse una persona “libre” de todo juicio.

Me gustaría destacar tanto la BSO, el fantástico guión, la estética del filme, y también que la obra no usa clichés cuando se trata el tema de la homosexualidad. Pero se debería profundizar en las relaciones más allá del placer(no tanta superficialidad), por ejemplo como en la película Boys dont cry.

Título: La trampa de la muerte

Título original: Deathtrap

Dirección: Sidney Lumet

País: Estados Unidos

Año: 1982

Fecha de estreno: 19/03/1982

Duración: 116 min.

Género: Criminal, Thriller, Comedia, Intriga

Reparto: Michael Caine, Christopher Reeve, Dyan Cannon, Irene Worth, Henry Jones, Joe Silver, Tony DiBenedetto, Al LeBreton, Francis B. Creamer Jr., Stewart Klein

Guión: Jay Presson Allen

Distribuidora: Warner Bros. Pictures

Productora: Warner Bros. Pictures

Sidney Lumet es un director de cine de Estados Unidos nacido el 25 de junio de 1924 en Filadelfia, Pennsylvania.

Primeros años

Nacido en Filadelfia, sus padres eran el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y Lumet fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de los 30 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a personas como Yul Brynner, Eli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet haría su debut detrás de la cámara al principio de los 50 como director de televisión en la CBS. En ella destacaban los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953).

La entrada en el cine de Lumet comenzó de una manera muy prometedora: con el éxito comercial y de crítica de Doce hombres sin piedad (12 Angry Men) (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación a los Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.

La década de los 60 no acabaría tan bien para Lumet como empezó. La comedia Bye Bye Braverman (1968) y la adaptación de la obra de Anton Chekhov La gaviota (The Sea Gull) (1968) fueron grandes fracasos. Tampoco tuvieron mucho mejor aceptación de público y crítica Cita, Una (The Appointment) (1969) y Last of the Mobile Hot Shots (1970). La única buena crítica que recibió Lumet por aquellos años fue el documental que realizó juntamente con Joseph L. Mankiewicz King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) sobre Martin Luther King y que sería nominada a un Óscar de la Academia.

Después de los anteriores fiascos, Lumet se quiso apuntar al cine denuncia que empezaba a triunfar en Hollywood. Y su primer título no pudo ser más acertado. El thriller policial Serpico (1973) relata la corrupción de la policía de Nueva York. El filme estaría protagonizado por Al Pacino y sería el principio de una de las épocas más brillantes de la carrera de Lumet. La película recibiría críticas excelentes y fue una bomba en la taquilla. Pacino ganó el Globo de Oro por su actuación y la película recibiría dos nominaciones a los Óscar.

Después de estos éxitos, Lumet se lanzó a proyectos más ambiciosos y que, casi de forma automática, no tuvieron tanto éxito. Este no es el caso de Equus (1977), una adaptación a la pantalla de la polémica obra de teatro de Peter Shaffer y por la cual Richard Burton, Peter Firth estarían nominados a los Óscar. De todas maneras, la película no fue tan bien acogida como sus anteriores títulos. Las cosas fueron a peor con El mago (The Wiz), que sería un fracaso de crítica y taquilla. Tampoco tendrían mejor éxito Dime lo que quieres (Just Tell Me What You Want) (1980) sobre una performance de Alan King. En estas fechas también dirigió La trampa de la muerte (1982) que es la que va ser analizada.

Sinopsis

Ante el temor de perder su estatus como escritor, el veterano Sidney Bruhl, un personaje de exquisitos modales y de porte aristocrático, no tarda en urdir un plan para reavivar su alicaída carrera a raíz del estrepitoso fracaso crítico-comercial que ha cosechado su última obra. A tal efecto, Sidney invita a su casa de campo, situada a las afueras de Nueva York, a Clifford Anderson, un aspirante a convertirse en un cotizado escritor. Tras presentarle a su esposa Myra, Sidney y Anderson proceden a intercambiar opiniones sobre su pasión compartida, la escritura. Una vez creado el clima de confianza preciso, Bruhl revisa el manuscrito de la obra en la que está trabajando Anderson con la intención de robárselo. Pero para ello, Bruhl deberá desprenderse de su colega...

Es un thriller bastante rápido y divertido basado en la obra de Ira Levin cerca de dos dramaturgos gays (Caine y Reeve) que trama el asesinato de la esposa rica (Cannon), para obtener la propiedad y el seguro.

La obra se puede dividir en tres actos, puede ser debido a que el guión es una obra teatral. El comienzo que va desde el fracaso de la obra de Sidney (Michael Caine) hasta la llegada a la casa de Clifford con la obra y su “asesinato”. La segunda parte donde se observa la “falsa” muerte de Clifford y la estancia en la casa de su amante Sidney y por último el final inesperado de la película. Toda la obra gira en torno con la llegada a la casa de la obra teatral, que es la que va dotando a la película de giros inesperados.

Michael Caine, como el escritor, hace un papel destacado en esta película entre cuerdo y loco. Mantiene el ritmo de la película, frente a los arrebatos de la mujer, él se mantiene tranquilo y seguro. Podría decirse que es como el ying y el yang

Christopher Reeve, en cambio, juega entre comedia y el drama en aunque en ocasiones parezca un psicópata . Nada tiene que ver con su papel en Superman. Se ve en esta película un rol muy distinto al del súper héroe.

Pero mención especial merecen la mujer de Sidney y la vidente. La primera por la locura que manifiesta, ya que su interpretación junto con la de la vidente son las que más simpatía despiertan. La última (vidente) por su parte, va anticipando alguno de los giros que se van a disponer en la obra, ya que aparecerá justamente al final de cada acto.

La película en sí es entretenida, se agradecería algún cambio de escenario(no sólo rodar en la casa y el teatro), por darle algún tipo de dinamismo, pero tampoco es muy necesario. Se juega con la iluminación y los efectos sonoros en los momentos de tensión.

Para concluir, decir que es una no-comedia bastante entretenida, donde todo lo que parece no lo es.

Dirección y guión: Michael Haneke.
Países: Francia, Austria, Alemania e Italia.
Año: 2005.
Duración: 115 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Daniel Auteuil (Georges), Juliette Binoche (Anne), Maurice Bénichou (Majid), Annie Girardot (Madre de Georges), Lester Makedonsky (Pierrot), Bernard Le Coq (Editor), Walid Afkir (Hijo de Majid), Daniel Duval (Pierre), Nathalie Richard (Mathilde), Denis Podalydès (Yvon), Aissa Maiga (Chantal).
Producción: Margaret Menegoz y Veit Heiduschka.
Fotografía: Christian Berger.
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse.
Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny y Christoph Kanter.
Vestuario: Lisy Christl.
Estreno en Francia: 5 Octubre 2005.
Estreno en España: 20 Enero 2006.

Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz austriaca Beatrix von Degenschild. Haneke creció y se crió en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia de su madre en el campo. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la Universidad de Viena para estudiar filosofía, psicología y drama después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la música. Después de graduarse, se convirtió en un crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y dramaturgo en la estación televisiva del sur de Alemania Südwestfunk. Como dramaturgo dirigió varias producciones escénicas en Alemania, entre ellas obras de Strindberg, Goethe y Heinrich von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.
Desde 2002 ejerce como profesor de Dirección en la Academia de Cine de Viena, Austria, donde reside habitualmente. En sus clases -dos veces por semana- intenta transmitir sus conocimientos fílmicos a sus estudiantes, haciendo especial hincapié en la dirección de actores, ya que para él es la base de la credibilidad real y emocional total de una escena.
Desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart sus producciones más notables.
Michael Haneke está casado desde 1983 con la propietaria de un negocio de antigüedades de Viena. Él mismo describe a su mujer como su crítico más agudo e importante de su trabajo.

La película comercial en que Haneke debutó fue El séptimo continente de 1989, que sirvió para trazar el estilo violento y grueso que florecería en los años siguientes. Tres años después, la controvertida El Video de Benny colocó el nombre de Haneke en el mapa. El gran éxito de Haneke llegaría en 2001 con su película más aclamada por la crítica La pianista. La película ganó el prestigioso Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y también ganaron sus protagonistas, Benoit Magimel e Isabelle Huppert, los premios de mejor actor y actriz. Ha trabajado con Juliette Binoche en dos ocasiones, después de que ella expresase interés en trabajar con él. Una de esas películas fue Caché, película en donde el director gano el premio a Mejor director en Cannes y a Mejor película en la ceremonia de Premios del Cine Europeo

En el 2007, debuto en el mercado norteamericano, con el remake de su película Funny Games, que fue producida por la actriz Naomi Watts, quien también actuo en esta película. En el 2009 logra ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película La Cinta Blanca, pelicula que ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y a mejor fotografía en los premios Oscar.



Sinopsis CACHÉ

Georges presenta un programa literario en televisión, vive una vida acomodada junto a su mujer y su hijo adolescente. Un día recibe unos paquetes que contienen vídeos, grabados desde la calle, y unos dibujos alarmantes cuyo significado es un misterio. No sabe quién los envía. Poco a poco las secuencias que aparecen en las cintas se vuelven más personales, sugiriendo que el remitente le conoce desde hace algún tiempo. Georges siente cómo una amenaza se cierne sobre él y su familia, pero puesto que no hay evidencias de delito alguno, la policía se niega a ayudarlo.

Esta película podría guardar relación con “Código desconocido”, “La pianista” y con cualquier otra de las películas de este director, sus premisas son claras:

• La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa, como se ve en Funny Games y en Caché;
• Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión, como sucede en Funny Games, donde algunos de los personajes son conscientes de pertenecer a una película.
• La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro, presente en Benny´s Video y Caché.

En Cache nos encontramos con estos temas, pero también se deben destacar algunos puntos importantes:

1. El empleo de los planos fijos para desesperación del espectador, ya que provoca en éste una tensión de que algo va a suceder.

2. Se produce una antítesis entre el triunfo de la vida del protagonista con su pasado oculto. Por lo que se entrelaza el pasado del protagonista con el presente.

3. El empleo de personajes de otra raza confrontados con los protagonistas como reflejo del conflicto existente en la sociedad actual.

4. Aunque no se emplea música, la tensión existe gracias a los planos “congelados” que utiliza Hanneke.

5. Dentro de este sinsentido existe una idea clara hacer pensar al espectador, ya que se puede interpretar de muchas formas el final de la película.

6. Auteuil y Binoche están espléndidos realmente no se piensa que el espectador es el protagonista del film.

7. Los diálogos son muy reales, quién no ha discutido de esa forma con su pareja.

8. Los diversos roles actuacionales que recrean los personajes: la impotencia, el miedo, el rencor, la ira, la envidia etc..

9. Dotar a la infancia como clave y orientaciónn para la madurez y el crecimiento personal

Pero no todo iba a considerarse bueno en este film, ya que hay algunos puntos que considero negativo:

1. La excesiva duración de los planos fijos. Al principio tiene su gracias pero cuando llevas varios, se hace bastante pesado.

2. La ausencia de música. Creo que se debería añadir música de tensión e intercalarlos con los planos fijos, por lo menos sería más dinámica la película.

3. La interpretación del hijo del matrimonio, parece que está de paso en la película, nunca cambia el estado de su rostro.

4. El final es demasiado abierto. Vale que quiera hacer pensar al espectador, pero puede producir en el espectador una desesperanza despues de aguantar tantos planos fijos y no saber quién es realmente el asesino.

Considero que es una película interesante desde el punto de vista técnico por sus planos, pero que no me llega íntegramente ya que no guarda relación intrínsicamente con mi vida personal, ya que no soy de la clase burguesa ni he tenido problemas en mi infancia que me hagan comportarme de forma poco correcta. Aunque considero que el fin que persigue Hanneke está muy bien retratado, ya que la crítica a la sociedad se observa desde el primer video que reciben y de los noticiarios de televisión.

TÍTULO ORIGINAL	Moon
AÑO	2009
DURACIÓN	97 min.
PAÍS
DIRECTOR	Duncan Jones
GUIÓN	Duncan Jones, Nathan Parker
MÚSICA	Clint Mansell
FOTOGRAFÍA	Gary Shaw
REPARTO	Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
PRODUCTORA	Sony Pictures Classics / Liberty Films UK
WEB OFICIAL	http://www.sonypictures.com/classics/moon/trailer.html
PREMIOS	2009: Sitges: Mejor película, actor (Sam Rockwell), guión y mejor diseño de producción

Duncan Zowie Haywood Jones (nacido el 30 de mayo de 1971), también conocido como Zowie Bowie o Joey Bowie, es un director de cine ganador del premio BAFTA mayormente conocido por la película Moon. Es hijo del cantante David Bowie.
a primera película de Jones , Moon, fue nominada a 7 premios de cine independiente británico y ganó 2, ambos para Jones. También fue nominado a dos premios BAFTA en el 2010, ganando solamente uno. Además también fue nominado a otros 19 premios.
Jones está planeando una secuela de Moon que sirva de epílogo. "Sam está de acuerdo e hacer un cameo en la próxima película." dijo Jones, que espera hacer tres películas que sigan la serie de Moon.

La historia

"Sam Bell" un astronauta con un contrato de trabajo por 3 años en la parte oscura de la luna. Él y Gerty, un robot con inteligencia artificial, están a cargo de unas maquina recolectoras de H-3, una sustancia que abastece gran parte de la energía en la tierra. Cuando los contenedores de las maquinas se llenan Sam tiene la misión de recogerlos y enviarlos a la tierra. Todo parece normal y monótono hasta que 2 semanas antes de finalizar el contrato Sam es víctima de alucinaciones


No es una película de acción(aunque necesita alguna dosis), en realidad la historia se centra en Sam Bell (genial Sam Rockwell), Sam y Gerty son los únicos residentes en la nave,en principio no tiene a nadie más con quien interactuar. Por lo que la relación que se existe entre los dos, es casi paternal por parte del robot.En ocasiones me recuerda al robot de "La guerra de las galaxias" C3P0

La película inicialmente recuerda por momentos a otros clásicos del género de ciencia ficción como “2001”; pero conforme avanzan los acontecimientos nos encontramos con situaciones no previsibles por el espectador.

Duncan Jones consigue que el espectador quiera saber todo, a partir del accidente de Sam. Es decir, a pesar de plantearnos una situación de sucesos sin interés poco a poco vamos entrando en la película y nos encontramos inmersos en un drama que resulta cuando menos sorprendente. Y del que no "queremos" saber el final, sino que lo "necesitamos". Ya que Duncan Jones capta tanto la atención del espectador que necesitamos resolver nuestra incertidumbre del futuro de Sam.

Esto lo consigue gracias a una buena planificación de escenas y un acertado ritmo narrativo en el que nada sobra,pero añadiría alguna dosis extra de acción,ya que sobre todo a mitad de película, los diálogos con el clon se vuelven algo pesados.
Otro punto a destacar encarecidamente es la banda sonora, Clint Mansell ("Requiem for a dream") lo vuelve a conseguir y nos mantiene expectante de los sucesos y de los movimientos de Sam.
Gran debut de la opera prima de Duncan Jones. Volvería a ver la película sólo para escuchar esa fantástica banda sonora.